Creed: 'Una fantástica transición'

Año: 2015

Duración: 132 min.

País: Estados Unidos

Director: Ryan Coogler

Guion: Ryan Coogler, Aaron Covington

Música: Ludwig Göransson

Fotografía: Maryse Alberti

Reparto: Michael B. Jordan, Sylvester Stallone, Tessa Thompson, Phylicia Rashad, Will Blagrove, Juan-Pablo Veza, Andre Ward, Tony Bellew, Philip Greene, Manny Ayala, Cory Kastle, Vincent Cucuzza, Christopher Weite

Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Warner Bros.

Género: Drama, Deporte

Sinopsis: Adonis Johnson (Jordan) nunca conoció a su famoso padre, el campeón mundial de pesos pesados Apollo Creed, que murió antes de que naciera. Aun así, no se puede negar que el boxeo está en su sangre, por lo que Adonis se dirige a Philadelphia, el lugar del legendario combate de Apollo Creed con el advenedizo y duro luchador Rocky Balboa.

Suena la campana, empieza el combate, el hijo de Apolo Creed se sube al ring y llega con fuerza a la gran pantalla acompañado sin duda alguna por uno de los mejores, Rocky Balboa. Creed golpea y bien, Creed aguanta durante doce asaltos con soltura pese a flojear levemente durante alguno de ellos, Creed esquiva, recibe, cae a la lona pero se levanta para ofrecer un fantástico final, pese a fallar algunos golpes directos Creed es digna sucesora de la tan aclamada Rocky.

La película de Ryan Coogler es un gran entretenimiento, una cinta que se sitúa entre las mejores de la saga, un pequeño homenaje a lo que ha significado Rocky, un relevo generacional muy bien logrado en el que tanto su desconocido protagonista, Michael B. Jordan, como Silvester Stallone acaparan todos los focos. Un largometraje que solo por sus dos actuaciones ya merece la pena ser visto.

Lo mejor no es su sólido argumento, ni las buenas escenas de boxeo, ni una música que pese a poder ser mejor cumple, sino sus dos fantásticos protagonistas, si DOS, porque cierto es que Stallone ganó merecidamente el Globo de Oro, pero es una grata sorpresa la interpretación de Jordan al que no le podrían haber quedado mejor los guantes en un papel nada fácil, sin duda alguna encaja como hijo de la leyenda del boxeo, Apolo Creed.

Pero no todo es gloria en la cinta de Coolger, en un mundo donde triunfan los más duros, aquellos que tienen piel de lagarto por encajar golpes dentro y fuera del ring, un mundo donde uno “Construye su propio legado” sin importar sus raíces, Creed peca de sobredosis de sensiblería, exceso de azúcar para algo que debería ser más amargo, pero aunque en algún momento parece que ello pueda lastrar a todo el conjunto, es cuando suena la campana del último asalto, se levanta la cámara y todo vuelve a brillar. Algo más de dureza y oscuridad hubiese alzado a la cinta con el título de campeón.

Puede que a los fans de la película original les sepa a poco, incluso echen en falta al insustituible Stallone encima del ring, pero deben aceptar que Rocky es eso, irremplazable, por ese motivo la cinta no se llama Rocky 7, sino Creed. Tal y como ha hecho J.J. Abrams con ‘El despertar de la fuerza’ la película de Michael B. Jordan y Stallone es un tributo al producto original pero al mismo tiempo una puerta abierta a las nuevas generaciones que sin duda alguna disfrutarán. Veremos si el homenaje que le hace la película a Rocky Balboa se repite el próximo 28 de febrero en la gala de los Oscar.

Lo mejor: dos fantásticas actuaciones y un buen relevo para un título de referencia.

Lo peor: sobredosis de sensibilidad que rebajan una cinta que podría haber sido mucho más épica.

Spotligth: ‘¿Me he perdido algo?’

Año: 2015

Duración: 121 min.

País: Estados Unidos

Director: Thomas McCarthy

Guion: Thomas McCarthy, Josh Singer

Música: Howard Shore

Fotografía: Masanobu Takayanagi

Reparto: Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery, Stanley Tucci, Brian d'Arcy James, Gene Amoroso, Billy Crudup, Elena Wohl, Doug Murray, Sharon McFarlane, Jamey Sheridan, Neal Huff, Robert B. Kennedy, Duane Murray, Brian Chamberlain, Michael Cyril Creighton, Paul Guilfoyle, Michael Countryman

Productora: OpenRoad Films / Participant Media / First Look / Anonymous Content / Rocklin / Faust

Género: Periodismo, Basado en hechos reales

Sinopsis: En 2002, un equipo de reporteros del Boston Globe destapó los escándalos de pederastia cometidos durante décadas por curas de Massachussets. La publicación de estos hechos, que la archidiócesis de Boston intentó ocultar, sacudió a la Iglesia Católica como institución.

Spotligth es sin duda alguna una buena cinta, pero ¿seis nominaciones a los Oscar incluyendo mejor película, mejor director, mejor actor y actriz de reparto? Algo me he perdido mientras la veía. Es innegable que el tema tratado es tan necesario como delicado de exponer y eso en sí ya es todo un mérito, aunque a los que están mínimamente informados de lo que acontece en el mundo no les aportará nada nuevo más que el trabajo periodístico en sí mismo. Pero si analizamos Spotlight por algo más que su valentía encontraremos un largometraje con un buen planteamiento y desarrollo pero en absoluto brillante.

El argumento tiene grandes vacíos, el más destacable es la larga sombra de poder de la iglesia mencionada a lo largo de toda la película pero que en ningún momento aparece, estamos ante un osado pero tímido intento de plasmar una realidad mucho más cruel que la ofrecida por su director Thomas McCarthy. Por lo que al trato periodístico se refiere es suficientemente solvente pero peca de lo mismo, un camino demasiado fácil para tan espinosa noticia, si el espectador busca un título que ensalce la labor del reportero sin duda alguna disfrutará más con ‘Buenas noches y buena suerte’, ‘El desafío: Frost contra Nixon’ o incluso la más reciente de ‘Nightcrawler’, y si nos centramos en el periodismo de investigación encontraremos demasiadas carencias en Spotlight.

Lo que realmente atrapa durante sus dos horas de duración es un relato espeluznante basado en hechos reales, la cinta de McCarthy se sustenta en el guion y las buenas interpretaciones de un reparto de lujo del que no cabía esperar menos. Posiblemente peque de osado al decir que ni Mark Ruffalo ni Rachel McAdams merecen la estatuilla dorada, dos interpretaciones a la altura pero lejos de ser las mejores de sus carreras. El primero lo tiene complicado con Silvester Stallone por ‘Creed’ o Christian Bale por ‘La gran apuesta’ entre otros, y nada que decir de la competencia en el Oscar a mejor actriz de reparto donde brillan más nombres como el de Rooney Mara por ‘Carol’, Kate Winslet por ‘Steve Jobs’ o Alicia Vikander  por ‘Ex Machina’.

Spotligth es un buen largometraje, necesario, pero descafeinado en todos los aspectos, falto de garra, atrevido pero tímido a la vez, con un notable guion que mete el dedo en la llaga pero sin demasiada fuerza, posiblemente sorprenderá a los menos informados, pero a los demás simplemente les hará pasar un buen e interesante rato. Un regalo muy bien envuelto, con un bonito lazo pero cuyo contenido no está a la altura de lo anunciado. 

Lo mejor: el tímido atrevimiento de llevar a la gran pantalla un tema tan delicado y unas buenas actuaciones.

Lo peor: vacíos en su argumento y falta de garra en el conjunto. 

DiCaprio, el rey sin corona!

Cuatro nominaciones a los premios BAFTA como mejor actor, once nominaciones a los Globos de Oro (nueve como mejor actor ganando en tres ocasiones y dos como mejor actor de reparto), cinco nominaciones a los Oscar (cuatro como mejor actor y una como mejor actor de reparto) entre muchos otras nominaciones y galardones que evocan cifras al alcance de pocos dentro del mundo del cine.

Ha interpretado de manera soberbia a Jordan Belfort, el excéntrico multimillonario de ‘El lobo de Wall Street’, ha encarnado al mismísimo J.Edgar Hoover, dos veces se enamoró más que convincentemente de Kate Winslet, salió más que airoso del papel de Howard Hughes en ‘El Aviador’, sin duda alguna es uno de los hijos predilectos de Scorsese y juntos forman una de las parejas más rentables de Hollywood; pero pese a su interminable currículum la preciada estatuilla dorada se le ha resistido, para muchos de manera incomprensible, en cuatro ocasiones.

Leonardo DiCaprio es uno de los actores de referencia del momento, con una carrera claramente ascendente desde su primera nominación a los Oscar por su papel secundario junto a un joven protagonista Johnny Depp en ‘¿A quién ama Gilbert Grape?’, su primera y gran aparición estelar en la taquillera ‘Titanic’ o el inicio de su idilio con el prestigioso Martin Scorsese al frente de ‘Gangs of New York’, hasta grandes títulos por los que ni si quiera fue nominado contra el criterio de muchos como son ‘Infiltrados’, ‘Revolutionary Road’, ‘Shutter Island’, ‘El origen’, ‘J. Edgar’ o ‘Django desencadenado’.

Veintitrés años después de ser nominado por primera vez en el Dolby Theater de Los Ángeles, DiCaprio volverá a desfilar por la alfombra roja en pos de tan merecido reconocimiento en la Gala de los Oscar 2016 que tendrá lugar el próximo 28 de febrero, ya no por su papel en ‘El Renacido (The Revenant)’ por el que está nominado en esta ocasión, sino por las ocasiones perdidas que tanto sus fans como muchos de los espectadores que han disfrutado con su trabajo, creen al actor merecedor de al menos una de ellas. Algunos lo llaman la maldición de los Oscar, fue en 1993 cuando estuvo nominado a mejor actor de reparto cuando le ganó la partida Tommy Lee Jones por ‘El Fugitivo’, el 2004 se produjo su segunda derrota con ‘El aviador’ esta vez recibió el galardón Jamie Foxx por ’Ray’, en el 2006 fue la brillante actuación de Forest Whitaker en el ‘Último rey de escocia’ la que eclipso su papel en ‘Diamantes de Sangre’, y la última y más polémica su nominación por ‘The Wolf of Wall Street’ que se acabó adjudicando Matthew McConaughey por ‘Dallas Buyers Club’, hecho que hizo circular rumores sobre que la temática de una y otra cinta pudo influir en una decisión que debería haber sido meramente interpretativa.

En esta ocasión Leonardo tendrá delante a tres nombres a los que ya venció en la Gala de los Globos de Oro 2016 como son el de Bryan Cranston por ‘Trumbo’, un Michael Fassbender en uno de sus mejores momentos por su papel en ‘Steve Jobs’ y Eddie Redmayne que veremos si da la sorpresa con su interpretación en ‘La chica danesa’, sin olvidar a Matt Damon que también ganó pero en la categoría de comedia-musical por ‘Marte’. Destacar que aparte del Globo de Oro otorgado a DiCaprio por la prensa extranjera hay que sumarle el galardón como mejor actor concedido recientemente en los 21ª edición de los Critics’ Choice Awards por su papel en ‘El Renacido’. El niño de oro de Hollywood ya tiene el reconocimiento de la prensa y la crítica, ahora falta ver si la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ensalza su inmenso talento o si DiCaprio seguirá siendo uno de los reyes sin corona del cine actual ¿Conseguirá la película de Alejandro González Iñárritu llevar al actor a lo más alto en su quinto asalto al Oscar?

Carol: 'Buen cine que no cree en sí mismo'

Año: 2015

Duración: 118 min.

País: Reino Unido

Director: Todd Haynes

Guión: Phyllis Nagy (Novela: Patricia Highsmith)

Música: Carter Burwell

Fotografía: Edward Lachman

Reparto: Cate Blanchett, Rooney Mara, Sarah Paulson, Kyle Chandler, Jake Lacy, Cory Michael Smith, Carrie Brownstein, John Magard, Kevin Crowley, Gielreath, Ryan Wesley Gilreath, Trent Rowland, Jim Dougherty, Douglas Scott Sorenson, Nik Pajic

Productora: Film4 / Killer Films / Number 9 Films

Género: Drama romántico.

Sinopsis: Nueva York, años 50. Therese Belivet (Rooney Mara) es una joven dependienta de una tienda de Manhattan que sueña con una vida mejor cuando un día conoce a Carol Aird (Cate Blanchett), una mujer elegante y sofisticada que se encuentra atrapada en un matrimonio infeliz. Entre ellas surge una conexión inmediata que irá haciéndose más intensa y profunda, cambiando la vida de ambas para siempre.

Todo es absoluta finura y delicadeza en la nueva película de Todd Haynes, tratando con agrado un tema que en pleno siglo XXI a muchos aún les cuesta aceptar. Es en ese aspecto donde el director estadounidense logra un gran trabajo haciendo de ‘Carol’ un sólido aunque tímido grito al amor en su pura esencia, no importa la orientación sexual, la suavidad en el trato de la relación entre Cate Blanchett y Rooney Mara consigue aportar a la cinta un ritmo tan absorbente como desaprovechado.

La extrema sutileza, poderosa y descafeinada a la vez, se plasma a través de una narración lineal que dejará al espectador con ganas de más, mucho más, es posible que tanto mimo en el trato del argumento intente plasmar la realidad de un tema tabú para la época con demasiada frialdad. En ese trato tan suave es donde ‘Carol’ pierde su alma, no existen dramas románticos sin amor, y no existe amor sin pasión, durante las dos horas de duración esa pasión está incomprensiblemente contenida, mientras sus dos protagonistas luchan por no negar su propia naturaleza la película hace todo lo contrario, encerrar la fuerza de unos sentimientos que piden a gritos ser liberados. Como amante de los buenos romances cinematográficos debo confesar que Haynes no ha conseguido estremecerme de dolor, ni desbordar mi corazón ansioso de estallar debido a su prometedor planteamiento, no me ha hecho llorar ni sufrir, simplemente me ha mantenido pegado a la butaca esperando una explosión de sensaciones que en ningún momento he encontrado. Mi corazón quería guerra y Haynes me la ha negado de la manera más cruel, sirviendo una delicatesen con materia prima de la buena pero a la que le ha faltado precisamente el ingrediente principal, el amor en su más pura esencia.

Cate Blanchett y Rooney Mara nos ofrecen dos sólidas actuaciones nada fáciles de conseguir, la primera lo tiene complicado para llevarse la estatuilla dorada ya que sus compañeras de nominación han puesto el listón muy alto, por lo que a Mara se refiere puede dar la sorpresa en su asalto al Oscar aún sin tenerlo nada fácil, las carencias de la propia película sin duda alguna han impedido que ambas dejarán fluir hasta estallar lo que tan elegantemente nos muestran. 

Si a todo ello le sumamos una muy buena fotografía, un logrado vestuario y una notable banda sonora que aportan más que calidad al conjunto, encontraremos en ‘Carol’ una buena cinta con pretensiones pero que no se acaba de creer lo que vende, un título que no se quiere a sí mismo, un largometraje que renuncia a la esencia de su brillante planteamiento, falto de garra, de fuerza, de pasión y sobre todo de amor, pero no se equivoquen, pese a ello Haynes ha logrado un buen trabajo cinematográfico. 

Lo mejor: los distintos componentes que aderezan la historia muestran un sólido trabajo.

Lo peor: la falta de garra, pasión y fuerza de una premisa que podría haber estallado frente a un espectador atrapado por esa solidez antes comentada. 

Huye muy lejos que se acerca 'La quinta ola'

Título original: The Fifth Wave (The 5th Wave)

Año: 2016

Duración: 112 min.

País: Estados Unidos

Director: J Blakeson

Guión: Susannah Grant (Novela: Rick Yancey)

Música: Henry Jackman

Fotografía: Enrique Chediak

Reparto: Chloë Grace Moretz, Nick Robinson, Alex Roe, Liev Schreiber, Maika Monroe, Zackary Arthur, Gabriela Lopez, Lindsey Elizabeth, Michael Beasley, Oona Laurence, Cade Canon Ball, Flynn McHugh, Geoffrey Kennedy, Matthew Zuk, Charles Green

Productora: Columbia Pictures-GK Films-Material Pictures

Género: Ciencia ficción, Catástrofes

Nada puede salvaros de 'La quinta ola' excepto los que ya la hemos visionado, así que a los que tenéis pensado verla os digo "corred insensatos" porque os espera algo mucho peor que los supuestos alienígenas o los catastróficos tsunamis que promete, corred lejos de la sala en la que se proyecta, si encontráis un DVD con su título ni se os ocurra tacarlo, podría ser contagioso, si por casualidad algún día la encontráis haciendo zapping en vuestro televisor, cambiad rápido de canal porqué os puede estallar la cabeza intentando encontrar una sola razón para seguir viéndola.

Como absoluto devorador de blockbusters tengo que reconocer que en este género mi listón no está muy alto, en ocasiones simplemente busco un rato de buen entretenimiento sin más, pero la película de J Blakeson es un absoluto despropósito en su totalidad. Los primeros quince minutos te hacen pensar que el simple divertimento se cumplirá, pero nada más lejos de la realidad, a partir de ahí la cinta va de mal en peor, y cuando crees que la cosa ya ha tocado fondo lo horrible se vuelve vergonzoso y acaba siendo literalmente insoportable. Después de un inicio con cuatro efectos especiales nada sorprendentes el metraje se centra en unos personajes aborrecibles a más no poder sustentados en mediocres actuaciones mientras te torturan con deleznables diálogos. 'La quinta ola' pretende ser los nuevos 'Juegos del hambre' o 'El corredor del laberinto', los detractores de ambas sagas se ahorcaran sin dudarlo si se atreven a verla, los que disfrutamos en mayor o menor medida con ellas no encontraremos perdón alguno para semejante atrocidad.

Los que en ocasiones nos conformamos con simples cintas de acción como pueden ser ‘San Andrés’ o ‘2012’ no hallaremos satisfacción alguna, es por ello que a falta de catástrofes, explosiones o aventuras uno empieza a fijarse en otros aspectos del metraje y es ahí donde empieza la tortura, ‘La quinta ola’ nos ofrece un argumento nada convincente aderezado con un fallido intento de cine juvenil, con unos escuetos efectos especiales, amor que da grima y una trama que no se podría haber presentado peor. Un brillante ejercicio de ilusionismo digno de los protagonistas de ‘Ahora me ves’ consigue que el tráiler engañe a los aficionados al género, y cuando respiras aliviado porque la pesadilla llega a su fin te encuentras con un final abierto a una nueva entrega a la que a un servidor seguro no irá. 

Lo mejor: Nada

Lo peor: Todo

Cartel Land: ‘Una narrativa notable que ofrece una realidad hirente’

Año: 2015

Duración: 98 min.

País: Estados Unidos

Director: Matthew Heineman

Música: H. Scott Salinas

Fotografía: Matthew Heineman, Matt Porwoll

Reparto: Documental

Productora: Coproducción EEUU-México

Género: Documental, Narcotráfico

Sinopsis: Cartel Land cuenta de manera paralela la historia del Dr. José Mireles, líder de las Autodefensas de Michoacán, y de Tim “Nailer” Foley, un veterano estadounidense obsesionado con capturar inmigrantes en el desierto de Arizona, en su lucha contra el narcotráfico. 

'Cartel Land' es merecidamente uno de los cinco documentales nominados a los Oscar 2016, su director, Matthew Heineman, nos muestra la dura realidad sobre los cárteles de la droga a ambos lados de la frontera entre EE.UU y Méjico. Un duro golpe a la moral humana rodado de manera notable dejando intuir un excelente trabajo de producción, ofreciéndonos un vibrante documental muy cerca de parecer una película.

Heineman consigue introducirnos en el conflicto del narcotráfico como pocas veces antes se ha visto, con un hilo argumental muy bien trazado aportando un ritmo constante logrando que el espectador sufra con la sólida firmeza de lo proyectado. Todo ello a través del Dr. José Mireles, líder de las Autodefensas de Michoacán, y de Foley, un veterano exsoldado estadounidense cuyo único objetivo es capturar inmigrantes en el desierto de Arizona.

El documental logra llegar a sitios donde pocas cámaras han estado antes, ofrece testimonios desgarradores de actos que ocurren frente la indiferencia de sus propios gobernantes, ‘Cartel Land’ es una realidad tan bien presentada que supera sin duda alguna a cualquier ficción. Se aprecia claramente el menor peso de la historia de Foley relegándola inevitablemente a un segundo plano, el verdadero infierno está al otro lado de la frontera.  

Tan necesaria como brillante la cinta mezcla con equilibrio los puntos álgidos con minutos de pausa en ocasiones demoledores, ofreciendo duras imágenes difíciles de borrar de la memoria y testimonios de la más absoluta barbarie humana. Aun así el director construye la historia de manera absorbente y digerible, sin abusar lo más mínimo del formato entrevista tan usado en el género, mientras intercala con acierto acción, reflexión y una fotografía dotada de fantásticas panorámicas, haciendo que su conjunto haya sido clasificado por muchos de western. 

Un documental trabajado en profundidad de dinámico ritmo y una hiriente realidad relatada de manera notable durante sus 98 minutos. Un producto tan bien presentado que se hace difícil de asimilar desde una butaca, fijando tus ojos involuntariamente en la pantalla mientras intentas responder la pregunta que Mireles le hace la propio Heineman mientras le graba, ¿Qué harías tú?

Lo mejor: un trabajo sólido de ritmo agradecido que consigue lo que se propone, no dejarte indiferente.

Lo peor: el relato mejicano se acaba comiendo al del lado americano de la frontera, relegándolo a algo secundario.

'El hijo de Saúl': Cine en mayúsculas

Título original: Saul fia (Son of Saul)

Año: 2015

Duración: 107 min.

País: Hungría

Director: László Nemes

Guión: László Nemes, Clara Royer

Música: László Melis

Fotografía: Mátyás Erdély

Reparto: Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn, Sándor Zsótér, Todd Charmont, Björn Freiberg, Uwe Lauer, Attila Fritz, Kamil Dobrowolski, Christian Harting

Productora: Laokoon Filmgroup

Género: Drama, Holocausto

Sinopsis: En el año 1944, durante el horror del campo de concentración de Auschwitz, un prisionero encargado de quemar los cadáveres de su propia gente encuentra cierta supervivencia moral tratando de salvar de los hornos crematorios a un niño que toma como su hijo.

El buscador del buen CINE no puede perderse la nueva ópera prima de László Nemes, el director húngaro nos brinda un ejercicio cinematográfico mayúsculo donde consigue de manera brillante y arriesgada que una particular y magnífica realización haga deslumbrar a un argumento tantas veces tratado en la gran pantalla.

Un encadenado de notables primeros planos cerrados y planos secuencias centrados en la brillante interpretación del desconocido Géza Röhrig encarnando a Saúl, un prisionero de Auschwitz encargado de quemar los cadáveres de sus compañeros. Nemes consigue transmitir el horror de tan inconmensurable locura de manera desgarradora pero sutil a la vez, conducida por una cámara en movimiento casi constante centrada en su protagonista, mientras nos muestra magistralmente a través de desenfocados segundos planos la más cruda realidad que de otra manera pocos espectadores podrían llegar a digerir.

La atípica forma como Nemes rueda los 107 minutos de la cinta hace del ‘El hijo de Saúl’ un grandioso trabajo que los sibaritas del cine sin duda saborearán. Una realización nada cómoda pero efectiva, que sugiere más que enseña centrando de manera inteligente la atención del espectador en un punto fijo mientras sus ojos no pueden evitar ver las desenfocadas y desgarradoras imágenes de fondo, acompañadas magistralmente por el más puro sonido del horror.

‘Son of Saul’ es un duro largometraje sobre el Holocausto Nazi construido con una osadía que funciona casi a la perfección, logrando mostrar las entrañas del mismísimo infierno con una cruel finura que hace de la cinta un producto tan visible como angustioso. Ganadora del Globo de Oro a mejor película de habla no inglesa ‘El hijo de Saúl’ es poesía trágica llevada a la gran pantalla, dirigida con una arriesgada maestría que consigue un ejercicio cinematográfico al alcance de muy pocos. Sin duda alguna la cinta de Nemes es indiscutible candidata a llevarse el Oscar en su categoría. 

Lo mejor: una arriesgada realización que eleva la cinta a un nivel superior proyectando lo que de otra manera no podría ser visto por la gran mayoría de los espectadores.

Lo peor: su particular dirección puede que no sea del gusto de todos. 

Legend: ‘Tom Hardy y poco más’

Año: 2015

Duración: 131 min.

País: Reino Unido

Director: Brian Helgeland

Guión: Brian Helgeland

Música: Carter Burwell

Fotografía: Dick Pope

Reparto: Tom Hardy, Emily Browning, David Thewlis, Christopher Eccleston, Chazz Palminteri, Tara Fitzgerald, Taron Egerton

Productora: Working Title Films

Género: Thriller, Mafia, Biópic

Sinopsis: Historia sobre los gemelos Kray twins, unos gángsters que sembraron el terror en Londres durante la década de los 60.

¿Qué ocurre cuando nos venden una película sobre dos de los gánsters más célebres de la historia de Gran Bretaña y nos encontramos con un triángulo de amor odio entre los tres personajes principales, todo ello en un aceptable pero descafeinado marco mafioso?

‘Legend’es un buen proyecto sin más, el problema llega cuando nos presentan una sinposis como “La historia sobre los gemelos Kray, unos gángsters que sembraron el terror en Londres en la década de los 60” y como espectador apenas saboreas las delicias de tan apetecible argumento, pero aun así es posible que acabes disfrutando de sus más de dos horas de duración . La nueva película de Brian Helgeland, director de la fantástica Payback, no saciará el hambre de los asiduos al género, incluso puede que estos se lleven una gran decepción, pero ha conseguido un largometraje que se deja ver sustentándose en la doble actuación de Tom Hardy que sin llegar a ser brillante es sin duda alguna el eje de un conjunto correcto.

 

La cinta peca de falta de potencia, carece de ese aire sucio pero tan apetecible de otros títulos de referencia, sus dos protagonistas, dos gemelos encarnados por el propio Hardy, son la base de todo aun siendo muy pobre  el desarrollo de ambos, el talento del actor británico consigue captar la atención del espectador pese a no ser uno de sus mejores papeles. Las cintas de gánsters al uso son oscuras, en ocasiones desgarradoras y crueles, pero ‘Legend’ sólo nos brinda sutiles pinceladas al respecto. Cabe destacar una buena realización consiguiendo un dinámico ritmo que hace del largometraje un trabajo aceptable, con una ambientación acorde al conjunto pero una banda sonora poco trabajada.

‘Legend’ nos deja con ganas de más, de ver lo que apenas enseña, de saborear el lado más oscuro de los 'Kray twins', dos de los mafiosos más temidos de Europa, aunque eso quiere decir que lo servido por Helgeland pese a ser un proyecto sin ambición, funciona.  

Lo mejor: la actuación de Tom Hardy que pese a no ser brillante carga con casi todo el peso de la película.

Lo peor: no ofrece lo que promete pecando de falta de ambición.   

Lo que no has visto y deberías ver de ‘Inside Out (Del Revés)’

Inside Out esconde contenidos desconocidos para muchos, si como nosotros disfrutaste con una de las mejores películas de animación de los últimos años, no te pierdas los siguientes vídeos:

1) Pixar ha lanzado un nuevo corto de casi cinco minutos donde se nos muestra con ingenio y como no con humor la primera cita de Riley, donde una vez más Ira, Triteza y compañía tendrán un papel relevante.

Para los que no os habéis dado cuenta, en el siguiente vídeo podréis ver como Ridely y el chico de la primera cita que os hemos mostrado anteriormente ya se habían encontrado durante el largometraje de ‘Del Revés’, un buen guiño a tener en cuenta.

2) ¿Qué ocurre cuando Dinsey une ‘Inside Out’ y ‘Star Wars: El despertar de la fuerza’? ¿Cómo reaccionan Ridely, Ira, Alegría, Miedo, Asco y Tristeza al ver por primera vez el tráiler de la nueva película de J.J. Abrams? No os perdáis esta pequeña joya de dos de los mejores largometrajes de 2015.

3) Otra genialidad en torno a la película es este tráiler que parodia una segunda entrega de la película bajo el título de ‘Inside Out 2, Whore Island’ así que avisamos, no apto para los más pequeños!

4) Un divertido clip de presentación de la película donde Alegría y Asco condicionan una situación en la que todos nos hemos encontrado alguna vez.

Point Break (Sin límites): ‘Como pisotear un buen recuerdo’

Año: 2015

Duración: 113 min.

País: Estados Unidos

Director: Ericson Core

Guión: Kurt Wimmer (Remake: Peter Iliff)

Música: Junkie XL

Fotografía: Ericson Core

Reparto: Luke Bracey, Edgar Ramirez, Teresa Palmer, Delroy Lindo, Ray Winstone, Bojesse Christopher, Tobias Santelmann, Matias Varela, Clemens Schick, Nikolai Kinski, Glynis Barber, Jaymes Butler

Productora: Alcon Entertainment / Warner Bros.

Género: Thriller. Acción | Robos & Atracos. Remake. 3-D. Surf

Sinopsis: Johnny es un joven que decide dejar atrás su pasado rebelde para unirse al FBI. Un día, le asignan un caso sobre robos para el que se tendrá que desplazar hasta California, donde los atracadores se dedican al surf. Allí, conoce a Bodhi, un chico que le hará ver la vida de otra manera y Tyler, una joven muy atractiva de la que se enamora. Remake de "Le llaman Bodhi", de 1991.

Ericson Core se ha meado sin miramiento alguno encima de la película original de Kathryn Bigelow, ‘Point Break’ es un blockbuster que apenas aprueba como cinta de entretenimiento y que pese a ello su gran defecto no es ser exageradamente básica sino intentar ser el remake de ‘Le llaman Bodhi’, un thriller de acción más que notable de los años 90 que hizo las delicias de más de un fan del género.

Es posible que haya gustado a los más jóvenes desconocedores de la cinta original, contentándose con una historia compuesta por un guion inocuo y un refrito de imágenes sobre deportes extremos en ocasiones efectivas, pero los que disfrutamos con la cinta de Bigelow la decepción está casi asegurada, La sensación que le queda a uno después de ver ‘Point Break’ es que han querido aportar demasiados elementos extras colocados con calzador mientras tiraban el guion original a la basura, transformándolo en una viñeta que no funciona en ningún momento. Un proyecto sin corazón que es un absoluto insulto al largometraje original.

Luke Bracey y Edgar Ramirez, Utah y Bodhi, están a años luz de Keanu Reeves y Patrick Swayze, y ni el agente del FBI Angelo Pappas (Gary Busey en la película de Bigelow) consigue convencer en esta nueva entrega. ‘Le llaman Bodhi’ ha pasado de ser una película de atracadores en un conjunto más que original centrado en surferos que viven al límite, a una serie de imágenes de deportes extremos con unos insulsos protagonistas que los amantes de la adrenalina las encontrarán mucho mejores en you tube.

¿Se salvan por lo menos las escenas de acción? Muy lejos se queda de otras superproducciones que pueden compensar la falta de un argumento sólido con acción de la buena, las principales escenas no decepcionan pero hoy en día el listón está demasiado alto para ‘Point Break’. Para los que busquen una película efectiva del género sin más pretensiones tienen mejores opciones antes que gastarse el dinero en la entrada de cine.

‘Point Break’ es una película vacía, una cinta de domingo por la tarde, una mala imitación que difícilmente se podría haber hecho peor, debería existir una ley que prohibiera gastarse la desorbitante cifra de más de 100 millones de dólares, frente a los 24 que costó ‘Le llaman Bodhi’, para ensuciar el nombre de una cinta de acción de referencia muy bien realizada por una de las directoras del momento. Lo único que salva a la película es la fotografía, que también corre a cargo del propio director, y una acción sin pretensiones consiguiendo de esta manera que sus 113 minutos no se hagan eternos. 

  

Lo mejor: la fotografía y algunas solventes escenas de acción.

Lo peor: Un proyecto vacío que pisotea el nombre de una muy buena cinta.

Los nuevos cachas del cine

Algunos de los íconos del cine de acción de las últimas décadas han sido los reyes del músculo con una expresividad tan inocua como sorprendentemente efectiva. ¿Pero que ocurre con su trono cuando sus bíceps como pelotas de rugby y sus escaso dotes interpretativos se acercan a la jubilación forzada? No hay duda que estamos hablando de Sylvester Stallone (69 años) y Arnold Schwarzenegger (68 años), los indiscutibles forzudos del cine de acción puro y duro. Por mucho que intenten posponerlo a Arnie y Stallone no les queda mucho tiempo para colgar los guantes, al menos a lo que protagonizar cintas de acción se refiere, a no ser que hagan Terminator Geriatirc o Rambo Aprostatado.

Pero desde hace ya unos años vienen pisando muy fuerte los Nuevos Cachas del Cine, y vuelven a ser dos los que creemos dignos sucesores del trono. Han demostrado tanto con su filmografía como con infinitas horas de gimnasio que los fans de este género pueden estar más que tranquilos porqué tenemos testosterona ultramusculada para muchos años.

Hay otros nombres relevantes dentro del cine de acción, pero buscamos tipos duros con piel de lagarto, locos de la adrenalina,  macarras de barrio a los que el chándal y la camiseta de tirantes les quedan genial, masas de músculos andantes que asustarían al mismísimo Hulk con su imponente presencia y su desafiante mirada.

Dwayne "The Rock" Johnson y Vin Diesel son los dignos sucesores de Stallone y Schwarzenegger. The Rock y Toretto han llegado para quedarse, para partir cuellos sin apenas inmutarse, para levantar coches de más de una tonelada sin soltar un solo pedo, para regalarnos las mejores peleas nunca antes vistas en el cine, y lo mejor es que a diferencia de las viejas glorias, la mejor de ellas se produjo entre los dos propios Titanes. Uno de los sueños de los que somos auténticos devotos del cine de acción se hizo realidad en una de las más grandes del género de los últimos años, ‘Fast & Furious 5’ sin duda alguna una de las mejores de la saga junto con la primera (por lo que supuso en su momento) y la séptima.

Ese momentazo que difícilmente se volverá a repetir se produce cunando el agente Hobbs atrapa a Toretto en su escondite en las favelas de Rio, una escena memorable entre los dos nuevos cachas del cine, moles humanas repartiéndose sin ton ni son, atravesando paredes una tras otra, propinándose golpes que destrozarían a un ser humano normal, pero ellos no lo son, Diesel y The Rock destronaron a los ya agónicos cachas de antaño con esa orgía de golpes brillantemente rodada, con el resto de la saga de ‘A todo gas’ y otras películas de acción nada despreciables.

Es cierto que títulos como Rambo y Terminator han dejado una huella imposible de borrar, acompañadas por otras perlas como ‘True Lies (Mentiras arriesgadas)’ o Rocky, pero la saga ‘Fast & Furious’, Riddick o ‘El tesoro del Amazonas’ ha conseguido que The Rock y Vin Diesel se hayan hecho un hueco entre los que disfrutan viendo a tipos enromes y duros de verdad. Los que nunca tienen suficiente dosis de cachas de cine que no desesperen porque durante los próximos años están por llegar prometedores títulos como ‘Fast & Furios 8’ una vez más con ambos actores entre el reparto. Y para los que quieran sobredosis de músculos en 2017 se estrena ‘Los vigilantes de la playa’ con inquietantes declaraciones de su protagonista The Rock, en las que dice “Nuestra película será grande, será divertida y clasificada ‘R’, como yo cuando me emborracho” prometiendo una versión para adultos de la popular serie de televisión. Dwayne  Johnson también protagonizará ‘Rampage’, una cinta basada en el mítico videojuego de los ochenta donde unos monstruos trepaban por edificios mientras los destruían. Atención que Vin Diesel repite como director con ‘Hannibal the Conqueror’ película basada en la vida del militar cartaginés Aníbal Barca que protagonizará él mismo. ‘The Rock’ ha destacado en otros roles de manera notable con comedias como ‘Be Cool’ o ‘Dolor y dinero’, veremos que es capaz de hacer Vin Diesel detrás de la cámara 19 años después de una desconocida cinta llamada ‘Strays’. 

Pero atención, hay otros nombres que se están haciendo oír, cachas sí, pero no macarras, sino personajes con clase a los que jamás verás con una camiseta abanderado. Uno de los que está levantando más pasiones es Henry Cavill, el nuevo Superman, sin duda alguna el hijo que toda madre querría tener, guapo, elegante y uno de los iconos de Hollywood del momento. Y como olvidarnos de Chris Hemsworth, el único con suficientes músculos como para levantar el martillo de Thor. No nos dejamos a otros referentes como Jason Statham (Transporter), Hugh Jackman (Lobezno), Chris Evans (Capitán América) o Mark Wahlberg (The Italian Job) pero todos ellos podrían ser vapuleados sin apenas despeinare por los nuevos reyes del cine de acción más radical, Vin Diesel y Dwayne "The Rock" Johnson. 

Atrapa la bandera: ‘La consolidación del cine de animación español’

Año: 2015

Duración: 97 min.

País: España

Director: Enrique Gato

Guión: Jordi Gasull

Música: Diego Navarro

Productora: Telecinco Cinema, Telefónica Studios , Los Rockets AIE

Género: Animación

Sinopsis: La película cuenta la historia de Mike Goldwing, un joven y valiente chico de 12 años hijo y nieto de astronautas, cuya familia está separada a raiz de un incidente que ocurrió años atrás. Para poder reconciliar a su familia, Mike deberá embarcarse en un viaje por el espacio para llegar a la Luna antes que el malvado Richard Carson y recuperar la bandera americana plantada en 1969 para poder demostrar que el hombre sí pisó la Luna.

‘Atrapa la Bandera’ es sin duda alguna la historia que todo niño querría vivir, una fantástica película de principio a fin. Enrique Gato ha conseguido crear una de las cintas de animación del año -con el permiso de Inside Out- con Mike, Amy, Marty y su lagarto Igor que nos harán vivir una aventura con todos los ingredientes necesarios para deleitar a los más pequeños y entretener a los adultos menos exigentes con el género.

La cinta no presenta ninguna novedad en sí pero tiene alma, transmitida a través de un sólido conjunto que combina con equilibrio unos notables gráficos, humor simpaticón, aventura de la buena, personajes efectivos y un muy buen desarrollo. Sus 97 minutos desprenden absoluta frescura, el guion funciona de manera sencilla pero efectiva haciendo que el espectador se sumerja en la historia, consiguiendo que tanto la presentación de la misma como de los personajes cuaje aun alargándose durante media película para posteriormente entregarnos el desenlace de una fantástica aventura que mantendrá pegados a la butaca del cine a los más peques de la casa.

La fuerza de ‘Atrapa la bandera’ se centra en sus protagonistas, recordando a la pequeña y tierna Agnes, Edith y Margo de ‘Gru 2: Mi villano favorito’. Mike, Amy y Marty conectarán sin dudarlo con los espectadores, y como en toda cinta de animación que se precie la guinda viene servida por Igor el divertidísimo lagarto que acompaña a los tres pequeños aventureros durante todo su periplo. Y como toda buena película de dibujos ‘Atrapa la Bandera’ también está toda ella empapada de valores tan necesarios para los niños y adultos.

El largometraje de Enrique Gato no tiene la magia de Inside Out, Gru o Big Hero 6, pero es sin duda alguna una más que notable y entretenidísima película de animación, una de esas que los peques podrían ver una y otra vez sin cansarse y con la que sus adultos acompañantes no agonizarán al verla. Después de ‘Las aventuras de Tadeo Jones’ y ‘Atrapa la bandera’ Gato está situando el cine de animación de nuestro país a un muy buen nivel.

Lo mejor: los personajes y la frescura que desprende la cinta durante sus 97 minutos.

Lo peor: la falta de riesgo en el argumento.